Lunes, 1 de Agosto de 2005
Un mundo sin copyright: el libro
Aunque con mucha menos violencia, el mundo del libro también vive síntomas de estar trasladando a la distribución problemas surgidos de la artificialidad del monopolio. En este caso el monopolio no es otro que la mal llamada propiedad intelectual. Las tensiones se producen porque siendo el precio competitivo (=coste marginal) de la copia electrónica cero, las editoriales evitan que esto exista aunque está comprobado que fomentaría sus ventas en papel. Y la respuesta es lo que llaman piratería. Ultimo ejemplo: Harry Potter, del papel a Internet en 12 horas.
A simple vista la situación del mercado del libro y el de la música son idénticas. Pero no es así.
Cuando en 2002 empezamos a estudiar el libro electrónico, constatamos dos diferencias:
- La experiencia de usuario del libro en papel es claramente superior a la del libro electrónico. Mientras los formatos musicales electrónicos pueden competir cada vez más con el CD, orientando la la futura industria hacia la música en vivo (como el cine hacia el cambio de salas), el libro de papel es una tecnología tan netamente superior al libro electrónico que no es previsible un cambio de formato industrial en el futuro. Las editoriales seguirán editando libros en papel.
- El coste de conversión individual de formato electrónico a papel (imprimir, encuadernar) sigue y seguirá siendo más alto que el precio del libro (al menos para libros de más de 100 páginas). Los libros de papel podrán seguir siendo como hasta ahora (sin incluir extras distintos del contenido en texto) y ser preferibles a la autoedición.
Trazar un cuadro de cómo serían las editoriales de futuro, o mejor dicho, de cómo deberían a empezar a ser las del presente es relatívamente sencillo: un gran repositorio online de obras en formato electrónico para descargar, una pequeña máquina de marketing y una buena red de distribución en papel.
¿Y de qué vivirían los autores? En realidad lo primero que hay que decir es que muy pocos autores pueden vivir hoy de sus creaciones bajo el sistema de monopolio. La literatura y el ensayo son fundamentalmente economías del prestigio, que generan ingresos indiréctamente a los autores vía conferencias, cursos, tertulias, etc. Y eso probablemente se acentuaría, facilitando a un mayor número de autores entrar en el círculo que hoy se beneficia de la repercusión de sus obras en mayor medida que de su explotación económica.
Pero además, en un mundo sin copyright, las editoriales deberían competir aún más por los autores y sus servicios que ahora. En primer lugar por tener la primicia, salir primero con el libro y ganar más mercado. En segundo lugar, si otras editoriales reeditan después la misma obra, el autor previsiblemente venderá a una u otra autenticidad, un sello de autor que posicione como preferible frente al lector, la copia de unas editoriales frente a otras. Es decir, como pasa ya en Alemania por ejemplo, los autores percibirán el grueso de sus ingresos directos de participar en la promoción de las ediciones.
Las obras derivadas: de los juglares a Borges pasando por el Quijote de Avellaneda
Otro hecho constatado es que curiosamente la cultura del Derecho de Autor está más arraigada respecto a los textos que respecto a la música. Nadie se escandaliza porque la derogación de la mal llamada propiedad intelectual permita que un músico electrónico o un rapper tomen una canción de un músico melódico y la transformen. Sin embargo, lo mismo causa recelo en caso de una novela o un ensayo.
Como hemos visto, esta posibilidad, diferenciar el producto original de un fan pic (tan comunes en manga o ciencia ficción), será probablemente una de las principales fuentes de ingresos de los autores, presionando a las editoriales a remunerar directamente a los autores (cosa que rara vez hacen ahora).
Por otro lado, estas obras, que toman obras derivadas (como si las otras no lo fueran), son la base de la evolución cultural. Es lógico que al aumentar el número de contactos sociales, al tender la gran red social cada vez más a tomar la forma de una red distribuida, aumenten en número e influencia. Como escribía William Gibson en Pattern Recognition (2003):
Es como si el proceso creativo ya no estuviera contenido en el interior de un cráneo individual, si es que alguna vez lo estuvo. Hoy en día todo es reflejo de otra cosa
Porque una de las consencuencias de la cultura de la mal llamada propiedad intelectual es el espejismo individualización de la creación cuando si cada vez podemos tomar parte con mayor facilidad en el proceso creativo es precisamente porque este es menos individual que nunca, porque la tecnología nos da un mayor acceso a fuentes y fuentes más diversas. Y es que el discurso que da pie a la -falsa- metáfora de la propiedad intelectual, conecta con topicos no cuestionados en nuestra cabeza porque se basa en un viejo mito renacentista: la creación. Uno de los primeros mitos individualistas, nacido en el Renacimiento y originalmente ligado a las artes plásticas. Como escribíamos en un librito de 1997:
Las nuevas formas de reproducción gráfica, del grabado a la imprenta y finalmente a la litografía, fueron convirtiendo la imagen bidimensional en un cotizado bien de lujo, pero en último término normal, y despojándole de su carácter místico. Carácter que sin embargo encontró refugio en el concepto humanista del artista como creador, al fin como émulo o discípulo de la divinidad, de la cual de algún modo participaba a través de la inspiración.
Aquí nació la idea del creador individual, como pequeño y autoproclamado dios, su obra, su creación, comenzaba y terminaba en si mismo.
Sin embargo, no se acaba con algo tan acendrado de un golpe. La epopeya de Gilgamesh, la Iliada, la Odisea, los romances del mester de juglaría o las Mil y una noches es decir, todo el basamento cultural occidental, estaba formado por obras derivadas, nacidas de un verdadero proceso de creación colectiva. Los dos principales literatos renacentistas europeos, Cervantes y Shakespeare, no rompen de hecho esta tradición. Shakespeare, como Lope de Vega o Tirso de Molina, toman, parchean, modifican, obras preexistentes hasta convertirlas en las obras maestras que hoy se les asocian. Lope, es de hecho, autor al modo de Rembrandt o los grandes pintores flamencos, director de un taller de creación que sólo introduce directamente su pluma en partes concretas de las obras.
Pero en la paranoia generada por la individualización, los expertos siguen a día de hoy discutiendo qué parrafos de cada obra son atribuibles diréctamente a Shakespeare y cuales son anteriores o nacieron de la pluma de Marlowe o de actores de su propia compañía.
La historia del Quijote de Avellaneda, una obra derivada contra la voluntad de Cervantes, de hecho nacida con ánimo de contrapropaganda reaccionaria, es verdaderamente ilustrativa, pues al final Cervantes se sirvió ampliamente de ella para elaborar la segunda parte de su novela
que seguramente ni siquiera hubiera existido de no haber aparecido el tal Avellaneda, animado por un prólogo de Lope de Vega que es una verdadera encarnación de los malos sentimientos que albergó siempre la reacción española.
Y si pensamos en los grandes mítos literarios del siglo XX en nuestro entorno cultural, sean Lampedusa, Macondo, Bearn o Sinera, veremos que son también, hasta cierto punto, una creación colectiva. Tan colectiva que cuando Borges quiere crear el más personal de los mundos no puede sino impostar su amplitud, citando autores imaginarios, poniendo en cuestión los orígenes mismos, la presunta individualidad de su propia obra.
Por la devolución de la cultura
Y es que la literatura siempre fue libre en el sentido de las cuatro libertades del software libre. El mismo sentido en el que como argumentan Pere Quintana y Benjamin Mako Hill debería restringirse el significado de Cultura Libre, pues lo que llamamos el acerbo cultural occidental existe porque los autores han tenido, respecto a ese mismo acerbo y hasta hace un siglo:
- Libertad para acceder a la obra
- Libertad para transformarla
- Libertad para distribuir la obra original
- Libertad para distribuir las obras derivadas
El derecho de autor y las entidades de gestión colectiva se instituyeron entre nosotros hace un siglo. Se trató de la imposición legal de un monopolio con el objeto de asegurar incentivos a la creación artística. Nada quedaba ya fuera de la mal llamada propiedad intelectual. La ley elevó no el derecho, sino el privilegio de una parte, a obligación de la totalidad, a derecho natural del creador. Es decir, se hizo totalitario. El coste hoy, cuando ya no es necesaria para asegurar tales incentivos porque la tecnología ha cambiado, es brutal.
Pretender hoy volver a la situación anterior, restaurar la libertad de todos y cada uno para crear cómo y a partir de lo que se quiera, con lo que supondría con los nuevos medios, es todo menos una imposición. Ni siquiera es, propiamente, una liberación. Es una devolución. El sujeto no es la cultura, el sujeto somos todos. Y ya es hora de que nos devuelvan las cuatro libertades que nos niega el monopolio legal y que necesitamos para poder dejar de estar divididos en categorías industriales (autor /consumidor /industria) y dejar que la creatividad explote cuando las obras culturales estén, real y totalmente, a disposición de todos. Así, de paso, la cultura dejará de ser algo a lo que supuestamente pertenecemos y pasará a ser algo que, colectivamente, nos pertenezca. Un verdadero procomún.
Ainda que com muita menos violência, o mundo do livro também vive sintomas de estar a transladar à distribuição problemas surgidos da artificialidad do monopólio. Neste caso o monopólio não é outro que a mau chamada propriedade intelectual. As tensões produzem-se porque sendo o preço competitivo (=custo marginal) da cópia electrónica zero, as editoriais evitam que isto exista ainda que está comprovado que fomentaria suas vendas em papel. E a resposta é o que chamam piratería. Ultimo exemplo: Harry Potter, do papel a Internet em 12 horas.
A simples vista a situação do mercado do livro e o da música são idênticas. Mas não é assim.
Quando em 2002 começamos a estudar o livro electrónico, constatamos duas diferenças:
- A experiência de utente do livro em papel é claramente superior à do livro electrónico. Enquanto os formatos musicais electrónicos podem competir a cada vez mais com o CD, orientando a a futura indústria para a música ao vivo (como o cinema para a mudança de salas), o livro de papel é uma tecnologia tão netamente superior ao livro electrónico que não é previsível uma mudança de formato industrial no futuro. As editoriais seguirão editando livros em papel.
- O custo de conversión individual de formato electrónico a papel (imprimir, encuadernar) segue e seguirá sendo mais alto que o preço do livro (ao menos para livros a mais de 100 páginas). Os livros de papel poderão seguir sendo como até agora (sem incluir extras diferentes do conteúdo em texto) e ser preferíveis à autoedición.
Traçar um quadro de como seriam as editoriais de futuro, ou melhor dito, de como deveriam a começar a ser as do presente é relatívamente singelo: um grande repositorio online de obras em formato electrónico para descargar, uma pequena máquina de marketing e uma boa rede de distribuição em papel.
E de que viveriam os autores? Em realidade o primeiro que há que dizer é que muito poucos autores podem viver hoje de suas criações baixo o sistema de monopólio. A literatura e o ensaio são fundamentalmente economias do prestígio, que geram rendimentos indiréctamente aos autores via conferências, cursos, tertulias, etc. E isso provavelmente acentuar-se-ia, facilitando a um maior número de autores entrar no círculo que hoje se beneficia da repercussão de suas obras em maior medida que de sua exploração económica.
Mas ademais, num mundo sem copyright, as editoriais deveriam competir ainda mais pelos autores e seus serviços que agora. Em primeiro lugar por ter a primicia, sair primeiro com o livro e ganhar mais mercado. Em segundo lugar, se outras editoriais reeditam depois a mesma obra, o autor previsivelmente venderá a uma ou outra autenticidad, um selo de autor que posicione como preferível em frente ao leitor, a cópia de umas editoriais em frente a outras. Isto é, como passa já em Alemanha por exemplo, os autores perceberão o grueso de seus rendimentos directos de participar na promoção das edições.
As obras derivadas: dos juglares a Borges passando pelo Quijote de Avellaneda
Outro facto constatado é que curiosamente a cultura do Direito de Autor está mais arraigada com respeito aos textos que com respeito à música. Ninguém se escandaliza porque a derogación da mau chamada propriedade intelectual permita que um músico electrónico ou um rapper tomem uma canção de um músico melódico e a transformem. No entanto, o mesmo causa recelo em caso de uma novela ou um ensaio.
Como vimos, esta possibilidade, diferenciar o produto original de um fã pic (tão comuns em manga ou ciência ficção), será provavelmente uma das principais fontes de rendimentos dos autores, pressionando às editoriais a remunerar directamente aos autores (coisa que rara vez fazem agora).
Por outro lado, estas obras, que tomam obras derivadas (como se as outras não o fossem), são a base da evolução cultural. É lógico que ao aumentar o número de contactos sociais, ao tender a grande rede social a cada vez mais a tomar a forma de uma rede distribuída, aumentem em número e influência. Como escrevia William Gibson em Pattern Recognition (2003):
É como se o processo criativo já não estivesse contido no interior de um cráneo individual, se é que alguma vez o esteve. Hoje em dia tudo é reflito de outra coisa
Porque uma das consencuencias da cultura da mau chamada propriedade intelectual é o espejismo individualización da criação quando se a cada vez podemos tomar parte com maior facilidade no processo criativo é precisamente porque este é menos individual que nunca, porque a tecnologia nos dá um maior acesso a fontes e fontes mais diversas. E é que o discurso que dá pé à -falsa- metáfora da propriedade intelectual, conecta com topicos não questionados em nossa cabeça porque se baseia num velho mito renacentista: a criação. Um dos primeiros mitos individualistas, nascido no Renacimiento e originalmente unido às artes plásticas. Como escrevíamos num librito de 1997:
As novas formas de reprodução gráfica, do gravado à imprenta e finalmente à litografía, foram convertendo a imagem bidimensional num cotado bem de luxo, mas em último termo normal, e lhe despojando de seu carácter místico. Carácter que no entanto encontrou refúgio no conceito humanista do artista como criador, ao fim como émulo ou discípulo da divinidad, da qual de algum modo participava através da inspiração.
Aqui nasceu a ideia do criador individual, como pequeno e autoproclamado deus, sua obra, sua criação, começava e terminava em se mesmo.
No entanto, não se acaba com algo tão acendrado de uma vez. A epopeya de Gilgamesh, a Iliada, a Odisea, os romances do mester de juglaría ou as Mil e uma noites isto é, todo o basamento cultural ocidental, estava formado por obras derivadas, nascidas de um verdadeiro processo de criação colectiva. Os dois principais literatos renacentistas europeus, Cervantes e Shakespeare, não rompem de facto esta tradição. Shakespeare, como Lope de Vega ou Tirso de Molina, tomam, parchean, modificam, obras preexistentes até as converter nas obras mestres que hoje se lhes associam. Lope, é de facto, autor ao modo de Rembrandt ou os grandes pintores flamencos, director de uma oficina de criação que só introduz directamente sua pluma em partes concretas das obras.
Mas na paranoia gerada pela individualización, os experientes seguem a dia de hoje discutindo que parrafos da cada faz são atribuibles diréctamente a Shakespeare e cuales são anteriores ou nasceram da pluma de Marlowe ou de actores de sua própria companhia.
A história do Quijote de Avellaneda, uma obra derivada contra a vontade de Cervantes, de facto nascida com ânimo de contrapropaganda reaccionaria, é verdadeiramente ilustrativa, pois ao final Cervantes serviu-se amplamente dela para elaborar a segunda parte de sua novela
que seguramente nem sequer tivesse existido de não ter aparecido o tal Avellaneda, animado por um prólogo de Lope de Vega que é uma verdadeira encarnación dos maus sentimentos que albergou sempre a reacção espanhola.
E se pensamos nos grandes mítos literários do século XX em nosso meio cultural, sejam Lampedusa, Macondo, Bearn ou Sinera, veremos que são também, até verdadeiro ponto, uma criação colectiva. Tão colectiva que quando Borges quer criar o mais pessoal dos mundos não pode senão impostar sua amplitude, citando autores imaginarios, pondo em questão as origens mesmas, a suposta individualidad de sua própria obra.
Pela devolução da cultura
E é que a literatura sempre foi livre no sentido das quatro liberdades do software livre. O mesmo sentido no que como argumentam Pere Quintana e Benjamin Mako Hill deveria se restringir o significado de Cultura Livre, pois o que chamamos o acerbo cultural ocidental existe porque os autores tiveram, com respeito a esse mesmo acerbo e até faz num século:
- Liberdade para aceder à obra
- Liberdade para transformá-la
- Liberdade para distribuir a obra original
- Liberdade para distribuir as obras derivadas
O direito de autor e as entidades de gestão colectiva instituíram-se entre nós faz num século. Tratou-se da imposición legal de um monopólio com o objecto de assegurar incentivos à criação artística. Nada ficava já fora da mau chamada propriedade intelectual. A lei elevou não o direito, senão o privilégio de uma parte, a obrigação da totalidade, a direito natural do criador. Isto é, fez-se totalitario. O custo hoje, quando já não é necessária para assegurar tais incentivos porque a tecnologia mudou, é brutal.
Pretender hoje voltar à situação anterior, restaurar a liberdade de todos e a cada um para criar como e a partir do que se queira, com o que suporia com os novos meios, é todo menos uma imposición. Nem sequer é, propriamente, uma libertação. É uma devolução. O sujeito não é a cultura, o sujeito somos todos. E já é hora de que nos devolvam as quatro liberdades que nos nega o monopólio legal e que precisamos para poder deixar de estar divididos em categorias industriais (autor /consumidor /indústria) e deixar que a criatividade exploda quando as obras culturais estejam, real e totalmente, a disposição de todos. Assim, de passagem, a cultura deixará de ser algo ao que supostamente pertencemos e passará a ser algo que, colectivamente, nos pertença. Um verdadeiro procomún.
Aínda que con moita menos violencia, o mundo do libro tamén vive síntomas de estar trasladando á distribución problemas xurdidos da artificialidad do monopolio. Neste caso o monopolio non é outro que a mal chamada propiedade intelectual. As tensións prodúcense porque sendo o prezo competitivo (=custo marginal) da copia electrónica cero, as editoriais evitan que isto exista aínda que está comprobado que fomentaría as súas vendas en papel. E a resposta é o que chaman piratería. Ultimo exemplo: Harry Potter, do papel a Internet en 12 horas.
A primeira ollada a situación do mercado do libro e o da música son idénticas. Pero non é así.
Cando en 2002 empezamos a estudar o libro electrónico, constatamos dúas diferenzas:
- A experiencia de usuario do libro en papel é claramente superior á do libro electrónico. Mentres os formatos musicais electrónicos poden competir cada vez máis co CD, orientando a a futura industria cara á música en vivo (como o cine cara ao cambio de salas), o libro de papel é unha tecnoloxía tan netamente superior ao libro electrónico que non é previsible un cambio de formato industrial no futuro. As editoriais seguirán editando libros en papel.
- O custo de conversión individual de formato electrónico a papel (imprimir, encadernar) segue e seguirá sendo máis alto que o prezo do libro (polo menos para libros de máis de 100 páxinas). Os libros de papel poderán seguir sendo como ata agora (sen incluír extras distintos do contido en texto) e ser preferibles á autoedición.
Trazar un cadro de como serían as editoriais de futuro, ou mellor devandito, de como deberían a empezar a ser as do presente é relatívamente sinxelo: un gran repositorio online de obras en formato electrónico para descargar, unha pequena máquina de marketing e unha boa rede de distribución en papel.
E de que vivirían os autores? En realidade o primeiro que hai que dicir é que moi poucos autores poden vivir hoxe das súas creacións baixo o sistema de monopolio. A literatura e o ensaio son fundamentalmente economías do prestixio, que xeran ingresos indiréctamente aos autores vía conferencias, cursos, faladoiros, etc. E iso probablemente acentuaríase, facilitando a un maior número de autores entrar no círculo que hoxe se beneficia da repercusión das súas obras en maior medida que da súa explotación económica.
Pero ademais, nun mundo sen copyright, as editoriais deberían competir aínda máis polos autores e os seus servizos que agora. En primeiro lugar por ter a primicia, saír primeiro co libro e gañar máis mercado. En segundo lugar, si outras editoriais reeditan despois a mesma obra, o autor previsiblemente venderá a unha ou outra autenticidad, un selo de autor que sitúe como preferible fronte ao lector, a copia dunhas editoriais fronte a outras. É dicir, como pasa xa en Alemania por exemplo, os autores percibirán o groso dos seus ingresos directos de participar na promoción das edicións.
As obras derivadas: dos juglares a Borges pasando polo Quixote de Avellaneda
Outro feito constatado é que curiosamente a cultura do Dereito de Autor está máis arraigada respecto de os textos que respecto de a música. Ninguén se escandaliza porque a derrogación da mal chamada propiedade intelectual permita que un músico electrónico ou un rapper tomen unha canción dun músico melódico e transfórmena. Con todo, o mesmo causa receo en caso dunha novela ou un ensaio.
Como vimos, esta posibilidade, diferenciar o produto orixinal dun fan pic (tan comúns en manga ou ciencia ficción), será probablemente una das principais fontes de ingresos dos autores, presionando ás editoriais a remunerar directamente aos autores (cousa que de cando en cando fan agora).
Doutra banda, estas obras, que toman obras derivadas (coma se as outras non o fosen), son a base da evolución cultural. É lóxico que ao aumentar o número de contactos sociais, ao tender a gran rede social cada vez máis a tomar a forma dunha rede distribuída, aumenten en número e influencia. Como escribía William Gibson en Pattern Recognition (2003):
É coma se o proceso creativo xa non estivese contido no interior dun cráneo individual, si é que algunha vez estívoo. Hoxe en día todo é reflexo doutra cousa
Porque unha das consencuencias da cultura da mal chamada propiedade intelectual é o espejismo individualización da creación cando si cada vez podemos tomar parte con maior facilidade no proceso creativo é precisamente porque este é menos individual que nunca, porque a tecnoloxía dános un maior acceso a fontes e fontes máis diversas. E é que o discurso que dá pé á -falsa- metáfora da propiedade intelectual, conecta con topicos non cuestionados na nosa cabeza porque se basea nun vello mito renacentista: a creación. Un dos primeiros mitos individualistas, nacido no Renacimiento e originalmente ligado ás artes plásticas. Como escribiamos nun librito de 1997:
As novas formas de reprodución gráfica, do gravado á imprenta e finalmente á litografía, foron convertendo a imaxe bidimensional nun cotizado ben de luxo, pero en último término normal, e desposuíndolle do seu carácter místico. Carácter que con todo atopou refuxio no concepto humanista do artista como creador, ao fin como émulo ou discípulo da divinidad, da cal dalgún modo participaba a través da inspiración.
Aquí naceu a idea do creador individual, como pequeno e autoproclamado deus, a súa obra, a súa creación, comezaba e terminaba en si mesmo.
Con todo, non se acaba con algo tan acendrado dun golpe. A epopeya de Gilgamesh, a Iliada, a Odisea, os romances do mester de juglaría ou as Mil e unha noites é dicir, todo o basamento cultural occidental, estaba formado por obras derivadas, nacidas dun verdadeiro proceso de creación colectiva. Os dous principais literatos renacentistas europeos, Cervantes e Shakespeare, non rompen de feito esta tradición. Shakespeare, como Lope de Veiga ou Tirso de Molina, toman, parchean, modifican, obras preexistentes ata convertelas nas obras mestras que hoxe se lles asocian. Lope, é de feito, autor ao modo de Rembrandt ou os grandes pintores flamencos, director dun taller de creación que só introduce directamente a súa pluma en partes concretas das obras.
Pero na paranoia xerada pola individualización, os expertos seguen a día de hoxe discutindo que parrafos de cada obra son atribuíbles diréctamente a Shakespeare e cales son anteriores ou naceron da pluma de Marlowe ou de actores da súa propia compañía.
A historia do Quixote de Avellaneda, unha obra derivada contra a vontade de Cervantes, de feito nada con ánimo de contrapropaganda reaccionaria, é verdaderamente ilustrativa, pois ao final Cervantes serviuse ampliamente dela para elaborar a segunda parte da súa novela
que seguramente nin sequera existise de non aparecer o tal Avellaneda, animado por un prólogo de Lope de Veiga que é unha verdadeira encarnación dos malos sentimentos que albergou sempre a reacción española.
E si pensamos nos grandes mítos literarios do século XX na nosa contorna cultural, sexan Lampedusa, Macondo, Bearn ou Sinera, veremos que son tamén, ata certo punto, unha creación colectiva. Tan colectiva que cando Borges quere crear o máis persoal dos mundos non pode senón impostar o seu amplitud, citando autores imaxinarios, poñendo en cuestión as orixes mesmos, a presunta individualidade da súa propia obra.
Pola devolución da cultura
E é que a literatura sempre foi libre no sentido das catro liberdades do software libre. O mesmo sentido no que como argumentan Pere Quintana e Benjamin Mako Hill debería restrinxirse o significado de Cultura Libre, pois o que chamamos o acerbo cultural occidental existe porque os autores han #ter, respecto de ese mesmo acerbo e ata fai un século:
- Liberdade para acceder á obra
- Liberdade para transformala
- Liberdade para distribuír a obra orixinal
- Liberdade para distribuír as obras derivadas
O dereito de autor e as entidades de xestión colectiva se instituyeron entre nós fai un século. Tratouse da imposición legal dun monopolio co obxecto de asegurar incentivos á creación artística. Nada quedaba xa fóra da mal chamada propiedade intelectual. A lei elevou non o dereito, senón o privilexio dunha parte, a obrigación da totalidade, a dereito natural do creador. É dicir, fíxose totalitario. O custo hoxe, cando xa non é necesaria para asegurar tales incentivos porque a tecnoloxía cambiou, é brutal.
Pretender hoxe volver á situación anterior, restaurar a liberdade de todos e cada un para crear como e a partir do que se queira, co que supoñería cos novos medios, é todo menos unha imposición. Nin sequera é, propiamente, unha liberación. É unha devolución. O suxeito non é a cultura, o suxeito somos todos. E xa é hora de que nos devolvan as catro liberdades que nos nega o monopolio legal e que necesitamos para poder deixar de estar divididos en categorías industriais (autor /consumidor /industria) e deixar que a creatividade explote cando as obras culturais estean, real e totalmente, a disposición de todos. Así, de paso, a cultura deixará de ser algo ao que supuestamente pertencemos e pasará a ser algo que, colectivamente, perténzanos. Un verdadeiro procomún.
Encara que amb molta menys violència, el món del llibre també viu símptomes d'estar traslladant a la distribució problemes sorgits de la artificialidad del monopoli. En aquest cas el monopoli no és un altre que la mal cridada propietat intel·lectual. Les tensions es produeixen perquè sent el preu competitiu (=cost marginal) de la còpia electrònica zero, les editorials eviten que això existeixi encara que està comprovat que fomentaria les seves vendes en paper. I la resposta és el que criden pirateria. Ultimo exemple: Harry Potter, del paper a Internet en 12 hores.
A simple vista la situació del mercat del llibre i el de la música són idèntiques. Però no és així.
Quan en 2002 comencem a estudiar el llibre electrònic, constatem dues diferències:
- L'experiència d'usuari del llibre en paper és clarament superior a la del llibre electrònic. Mentre els formats musicals electrònics poden competir cada vegada més amb el CD, orientant la la futura indústria cap a la música en viu (com el cinema cap al canvi de sales), el llibre de paper és una tecnologia tan netamente superior al llibre electrònic que no és previsible un canvi de format industrial en el futur. Les editorials seguiran editant llibres en paper.
- El cost de conversió individual de format electrònic a paper (imprimir, encuadernar) segueix i seguirà sent més alt que el preu del llibre (almenys per a llibres de més de 100 pàgines). Els llibres de paper podran seguir sent com fins a ara (sense incloure extres distints del contingut en text) i ser preferibles a la autoedición.
Traçar un quadre de com serien les editorials de futur, o millor dit, de com haurien de començar a ser les del present és relatívamente senzill: un gran repositorio online d'obres en format electrònic per a descarregar, una petita màquina de màrqueting i una bona xarxa de distribució en paper.
I de què viurien els autors? En realitat el primer que cal dir és que molt pocs autors poden viure avui de les seves creacions sota el sistema de monopoli. La literatura i l'assaig són fonamentalment economies del prestigi, que generen ingressos indiréctamente als autors via conferències, cursos, tertúlies, etc. I això probablement s'accentuaria, facilitant a un major nombre d'autors entrar en el cercle que avui es beneficia de la repercussió de les seves obres en major mesura que de la seva explotació econòmica.
Però a més, en un món sense copyright, les editorials haurien de competir encara més pels autors i els seus serveis que ara. En primer lloc per tenir la primícia, sortir primer amb el llibre i guanyar més mercat. En segon lloc, si altres editorials reediten després la mateixa obra, l'autor previsiblement vendrà a una o una altra autenticitat, un segell d'autor que posicioni com preferible enfront del lector, la còpia d'unes editorials enfront d'unes altres. És a dir, com passa ja a Alemanya per exemple, els autors percebran el gruixut dels seus ingressos directes de participar en la promoció de les edicions.
Les obres derivades: dels juglares a Borges passant pel Quixot de Avellaneda
Un altre fet constatat és que curiosament la cultura del Dret d'Autor està més arrelada respecte als textos que respecte a la música. Ningú s'escandalitza perquè la derogació de la mal cridada propietat intel·lectual permeti que un músic electrònic o un rapper prenguin una cançó d'un músic melòdic i la transformin. No obstant això, el mateix causa recel en cas d'una novel·la o un assaig.
Com hem vist, aquesta possibilitat, diferenciar el producte original d'un fan pic (tan comuns en màniga o ciència ficció), serà probablement una de les principals fonts d'ingressos dels autors, pressionant a les editorials a remunerar directament als autors (cosa que rara vegada fan ara).
D'altra banda, aquestes obres, que prenen obres derivades (com si les altres no ho anessin), són la base de l'evolució cultural. És lògic que a l'augmentar el nombre de contactes socials, al tendir la gran xarxa social cada vegada més a prendre la forma d'una xarxa distribuïda, augmentin en nombre i influència. Com escrivia William Gibson en Pattern Recognition (2003):
És com si el procés creatiu ja no estigués contingut en l'interior d'un cráneo individual, si és que alguna vegada ho va estar. Avui dia tot és reflex d'una altra cosa
Perquè una de les consencuencias de la cultura de la mal cridada propietat intel·lectual és el miratge individualización de la creació quan si cada vegada podem prendre part amb major facilitat en el procés creatiu és precisament perquè aquest és menys individual que mai, perquè la tecnologia ens dóna un major accés a fonts i fonts més diverses. I és que el discurs que dóna peu a la -falsa- metàfora de la propietat intel·lectual, connecta amb topicos no qüestionats en el nostre cap perquè es basa en un vell mite renacentista: la creació. Un dels primers mites individualistes, nascut en el Renacimiento i originalmente lligat a les arts plàstiques. Com escrivíem en un librito de 1997:
Les noves formes de reproducció gràfica, del gravat a la impremta i finalment a la litografía, van ser convertint la imatge bidimensional en un cotitzat bé de luxe, però en últim terme normal, i despullant-li del seu caràcter místico. Caràcter que no obstant això va trobar refugi en el concepte humanista de l'artista com creador, a la fi com émulo o discípulo de la divinidad, de la qual d'alguna manera participava a través de la inspiració.
Aquí va néixer la idea del creador individual, com petit i autoproclamado déu, la seva obra, la seva creació, començava i acabava en si mateix.
No obstant això, no s'acaba amb alguna cosa tan acendrado d'un cop. La epopeya de Gilgamesh, la Iliada, l'Odissea , els romanços del mester de juglaría o les Mil i una nits és a dir, tot el basamento cultural occidental, estava format per obres derivades, nascudes d'un veritable procés de creació col·lectiva. Els dos principals literatos renacentistas europeus, Cervantes i Shakespeare, no trenquen de fet aquesta tradició. Shakespeare, com Lope de Vega o Tirso de Molina, prenen, parchean, modifiquen, obres preexistentes fins a convertir-les en les obres mestres que avui se'ls associen. Lope, és de fet, autor a la manera de Rembrandt o els grans pintors flamencs, director d'un taller de creació que només introdueix directament la seva ploma en parts concretes de les obres.
Però en la paranoia generada per la individualización, els experts segueixen a dia d'avui discutint quin parrafos de cada obra són atribuibles diréctamente a Shakespeare i cuales són anteriors o van néixer de la ploma de Marlowe o d'actors de la seva pròpia companyia.
La història del Quixot de Avellaneda, una obra derivada contra la voluntat de Cervantes, de fet nascuda amb ànim de contrapropaganda reaccionària, és veritablement ilustrativa, doncs al final Cervantes es va servir àmpliament d'ella per a elaborar la segona part de la seva novel·la
que segurament ni tan sols hagués existit de no haver aparegut el tal Avellaneda, animat per un prólogo de Lope de Vega que és una veritable encarnació dels mals sentiments que va albergar sempre la reacció espanyola.
I si pensem en els grans mítos literaris del segle XX en el nostre entorn cultural, siguin Lampedusa, Macondo, Bearn o Sinera, veurem que són també, fins a cert punt, una creació col·lectiva. Tan col·lectiva que quan Borges vol crear el més personal dels mons no pot sinó impostar la seva amplitud, citant autors imaginaris, posant en qüestió els orígens mateixos, la presumpta individualitat de la seva pròpia obra.
Per la devolució de la cultura
I és que la literatura sempre va ser lliure en el sentit de les quatre llibertats del programari lliure. El mateix sentit en el qual com argumenten Pere Quintana i Benjamin Mako Hill hauria de restringir-se el significat de Cultura Lliure, doncs el que cridem el acerbo cultural occidental existeix perquè els autors han tingut, respecte a aquest mateix acerbo i fins a fa un segle:
- Llibertat per a accedir a l'obra
- Llibertat per a transformar-la
- Llibertat per a distribuir l'obra original
- Llibertat per a distribuir les obres derivades
El dret d'autor i les entitats de gestió col·lectiva es instituyeron entre nosaltres fa un segle. Es va tractar de la imposició legal d'un monopoli amb l'objecte d'assegurar incentius a la creació artística. Gens quedava ja fora de la mal cridada propietat intel·lectual. La llei va elevar no el dret, sinó el privilegi d'una part, a obligació de la totalitat, a dret natural del creador. És a dir, es va fer totalitari. El cost avui, quan ja no és necessària per a assegurar tals incentius perquè la tecnologia ha canviat, és brutal.
Pretendre avui tornar a la situació anterior, restaurar la llibertat de tots i cadascun per a crear com i a partir del que es vulgui, amb el que suposaria amb els nous mitjans, és tot menys una imposició. Ni tan sols és, pròpiament, un alliberament. És una devolució. El subjecte no és la cultura, el subjecte som tots. I ja és hora que ens retornin les quatre llibertats que ens nega el monopoli legal i que necessitem per a poder deixar d'estar dividits en categories industrials (autor /consumidor /indústria) i deixar que la creativitat exploti quan les obres culturals estiguin, real i totalment, a la disposició de tots. Així, de pas, la cultura deixarà de ser alguna cosa al que suposadament pertanyem i passarà a ser alguna cosa que, colectivamente, ens pertanyi. Un veritable procomún.
Aunque con mucha menos violencia, el mundo del libro también vive síntomas de estar trasladando a la distribución problemas surgidos de la artificialidad del monopolio. En este caso el monopolio no es otro que la mal llamada propiedad intelectual. Las tensiones se producen porque siendo el precio competitivo (=coste marginal) de la copia electrónica cero, las editoriales evitan que esto exista aunque está comprobado que fomentaría sus ventas en papel. Y la respuesta es lo que llaman piratería. Ultimo ejemplo: Harry Potter, del papel a Internet en 12 horas.
A simple vista la situación del mercado del libro y el de la música son idénticas. Pero no es así.
Cuando en 2002 empezamos a estudiar el libro electrónico, constatamos dos diferencias:
- La experiencia de usuario del libro en papel es claramente superior a la del libro electrónico. Mientras los formatos musicales electrónicos pueden competir cada vez más con el CD, orientando la la futura industria hacia la música en vivo (como el cine hacia el cambio de salas), el libro de papel es una tecnología tan netamente superior al libro electrónico que no es previsible un cambio de formato industrial en el futuro. Las editoriales seguirán editando libros en papel.
- El coste de conversión individual de formato electrónico a papel (imprimir, encuadernar) sigue y seguirá siendo más alto que el precio del libro (al menos para libros de más de 100 páginas). Los libros de papel podrán seguir siendo como hasta ahora (sin incluir extras distintos del contenido en texto) y ser preferibles a la autoedición.
Trazar un cuadro de cómo serían las editoriales de futuro, o mejor dicho, de cómo deberían a empezar a ser las del presente es relatívamente sencillo: un gran repositorio online de obras en formato electrónico para descargar, una pequeña máquina de marketing y una buena red de distribución en papel.
¿Y de qué vivirían los autores? En realidad lo primero que hay que decir es que muy pocos autores pueden vivir hoy de sus creaciones bajo el sistema de monopolio. La literatura y el ensayo son fundamentalmente economías del prestigio, que generan ingresos indiréctamente a los autores vía conferencias, cursos, tertulias, etc. Y eso probablemente se acentuaría, facilitando a un mayor número de autores entrar en el círculo que hoy se beneficia de la repercusión de sus obras en mayor medida que de su explotación económica.
Pero además, en un mundo sin copyright, las editoriales deberían competir aún más por los autores y sus servicios que ahora. En primer lugar por tener la primicia, salir primero con el libro y ganar más mercado. En segundo lugar, si otras editoriales reeditan después la misma obra, el autor previsiblemente venderá a una u otra autenticidad, un sello de autor que posicione como preferible frente al lector, la copia de unas editoriales frente a otras. Es decir, como pasa ya en Alemania por ejemplo, los autores percibirán el grueso de sus ingresos directos de participar en la promoción de las ediciones.
Las obras derivadas: de los juglares a Borges pasando por el Quijote de Avellaneda
Otro hecho constatado es que curiosamente la cultura del Derecho de Autor está más arraigada respecto a los textos que respecto a la música. Nadie se escandaliza porque la derogación de la mal llamada propiedad intelectual permita que un músico electrónico o un rapper tomen una canción de un músico melódico y la transformen. Sin embargo, lo mismo causa recelo en caso de una novela o un ensayo.
Como hemos visto, esta posibilidad, diferenciar el producto original de un fan pic (tan comunes en manga o ciencia ficción), será probablemente una de las principales fuentes de ingresos de los autores, presionando a las editoriales a remunerar directamente a los autores (cosa que rara vez hacen ahora).
Por otro lado, estas obras, que toman obras derivadas (como si las otras no lo fueran), son la base de la evolución cultural. Es lógico que al aumentar el número de contactos sociales, al tender la gran red social cada vez más a tomar la forma de una red distribuida, aumenten en número e influencia. Como escribía William Gibson en Pattern Recognition (2003):
Es como si el proceso creativo ya no estuviera contenido en el interior de un cráneo individual, si es que alguna vez lo estuvo. Hoy en día todo es reflejo de otra cosa
Porque una de las consencuencias de la cultura de la mal llamada propiedad intelectual es el espejismo individualización de la creación cuando si cada vez podemos tomar parte con mayor facilidad en el proceso creativo es precisamente porque este es menos individual que nunca, porque la tecnología nos da un mayor acceso a fuentes y fuentes más diversas. Y es que el discurso que da pie a la -falsa- metáfora de la propiedad intelectual, conecta con topicos no cuestionados en nuestra cabeza porque se basa en un viejo mito renacentista: la creación. Uno de los primeros mitos individualistas, nacido en el Renacimiento y originalmente ligado a las artes plásticas. Como escribíamos en un librito de 1997:
Las nuevas formas de reproducción gráfica, del grabado a la imprenta y finalmente a la litografía, fueron convirtiendo la imagen bidimensional en un cotizado bien de lujo, pero en último término normal, y despojándole de su carácter místico. Carácter que sin embargo encontró refugio en el concepto humanista del artista como creador, al fin como émulo o discípulo de la divinidad, de la cual de algún modo participaba a través de la inspiración.
Aquí nació la idea del creador individual, como pequeño y autoproclamado dios, su obra, su creación, comenzaba y terminaba en si mismo.
Sin embargo, no se acaba con algo tan acendrado de un golpe. La epopeya de Gilgamesh, la Iliada, la Odisea, los romances del mester de juglaría o las Mil y una noches es decir, todo el basamento cultural occidental, estaba formado por obras derivadas, nacidas de un verdadero proceso de creación colectiva. Los dos principales literatos renacentistas europeos, Cervantes y Shakespeare, no rompen de hecho esta tradición. Shakespeare, como Lope de Vega o Tirso de Molina, toman, parchean, modifican, obras preexistentes hasta convertirlas en las obras maestras que hoy se les asocian. Lope, es de hecho, autor al modo de Rembrandt o los grandes pintores flamencos, director de un taller de creación que sólo introduce directamente su pluma en partes concretas de las obras.
Pero en la paranoia generada por la individualización, los expertos siguen a día de hoy discutiendo qué parrafos de cada obra son atribuibles diréctamente a Shakespeare y cuales son anteriores o nacieron de la pluma de Marlowe o de actores de su propia compañía.
La historia del Quijote de Avellaneda, una obra derivada contra la voluntad de Cervantes, de hecho nacida con ánimo de contrapropaganda reaccionaria, es verdaderamente ilustrativa, pues al final Cervantes se sirvió ampliamente de ella para elaborar la segunda parte de su novela
que seguramente ni siquiera hubiera existido de no haber aparecido el tal Avellaneda, animado por un prólogo de Lope de Vega que es una verdadera encarnación de los malos sentimientos que albergó siempre la reacción española.
Y si pensamos en los grandes mítos literarios del siglo XX en nuestro entorno cultural, sean Lampedusa, Macondo, Bearn o Sinera, veremos que son también, hasta cierto punto, una creación colectiva. Tan colectiva que cuando Borges quiere crear el más personal de los mundos no puede sino impostar su amplitud, citando autores imaginarios, poniendo en cuestión los orígenes mismos, la presunta individualidad de su propia obra.
Por la devolución de la cultura
Y es que la literatura siempre fue libre en el sentido de las cuatro libertades del software libre. El mismo sentido en el que como argumentan Pere Quintana y Benjamin Mako Hill debería restringirse el significado de Cultura Libre, pues lo que llamamos el acerbo cultural occidental existe porque los autores han tenido, respecto a ese mismo acerbo y hasta hace un siglo:
- Libertad para acceder a la obra
- Libertad para transformarla
- Libertad para distribuir la obra original
- Libertad para distribuir las obras derivadas
El derecho de autor y las entidades de gestión colectiva se instituyeron entre nosotros hace un siglo. Se trató de la imposición legal de un monopolio con el objeto de asegurar incentivos a la creación artística. Nada quedaba ya fuera de la mal llamada propiedad intelectual. La ley elevó no el derecho, sino el privilegio de una parte, a obligación de la totalidad, a derecho natural del creador. Es decir, se hizo totalitario. El coste hoy, cuando ya no es necesaria para asegurar tales incentivos porque la tecnología ha cambiado, es brutal.
Pretender hoy volver a la situación anterior, restaurar la libertad de todos y cada uno para crear cómo y a partir de lo que se quiera, con lo que supondría con los nuevos medios, es todo menos una imposición. Ni siquiera es, propiamente, una liberación. Es una devolución. El sujeto no es la cultura, el sujeto somos todos. Y ya es hora de que nos devuelvan las cuatro libertades que nos niega el monopolio legal y que necesitamos para poder dejar de estar divididos en categorías industriales (autor /consumidor /industria) y dejar que la creatividad explote cuando las obras culturales estén, real y totalmente, a disposición de todos. Así, de paso, la cultura dejará de ser algo a lo que supuestamente pertenecemos y pasará a ser algo que, colectivamente, nos pertenezca. Un verdadero procomún.
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